把地理景观升华为精神图谱

　　在广州艺术博物馆(广州美术馆)，我第一次看到了潘鲁生先生的画展“寄情大湾区--潘鲁生大湾区民艺调研与艺术创作巡展”，并和潘鲁生先生有过短暂的交流。这位有着特别亲和力和感染力的学者型艺术家，近年来在大湾区这块充满神奇色彩的土地调研创作。他走进乡村，抚摸因岁月而斑驳的墙面。他停驻乡间，捕捉蝴蝶嗅过的花朵，把河流与村庄交织的乡愁装进记忆中。他驻足工厂码头，收集渔民和大海的故事。他仰望高楼大厦，把新时代的印迹刻画在脑海中……潘鲁生以彩墨写实的手法，用大自然的温度墨染一帧帧画面。他把乡村的淳朴和纯真，以及现代城市的发展和变迁，融入独特的彩墨艺术语言，为人们呈现一个别具美学意蕴的粤港澳大湾区。
 

　　乡愁的蔓延与乡村画卷

　　海德格尔在《黑贝尔 ——乡愁之魂(1957)》中写道：“乡愁的倾心在于栖居，它栖居于向世界及世界之所筑的源初、但却无时不相契合的所属中。”看过潘鲁生先生的画展，有一种非常熟悉的感觉，那就是扑面而来的乡愁。特别是在《湾区春早》中，那漫天遍野的金色波浪，波光粼粼的水面以及碧绿的枝叶和远处的房屋，瞬间将我的记忆拉回小时候，在老家田地里和父母干农活的场景。如今想来已经离开家乡20年了，村头那片油菜地依旧是从心底漾过的波纹，从未改变。

　　在《粤·上岳古镇》中，古镇内的建筑风格有着浓郁的岭南风情。错落有致的房屋，阳光透过缝隙留下墙面的斑驳痕迹，以及爬满青苔的墙角，都被细致入微地描绘出来。沿着寂静的老街，那古老的牌坊，历经岁月侵蚀，上面的雕刻花纹虽已模糊却依然清晰可辨，仿佛诉说着岁月的故事。错综交织的电杆天线，毫无保留地呈现出时代的变迁与生活的真实，让人有一种穿越时空的感觉。让我再次想起老家过去的十年，以前乡村的瓦房和泥泞小道，现在早已变成了黄白相间的小洋楼，整洁的街道上飘扬的那一抹红色，把乡村的画卷定格在幸福的画面中。

　　马尔克斯在《百年孤独》中曾写道，“有时面对一幅威尼斯水彩画，怀乡之情竟会把水沟里的淤泥和腐烂的甲壳动物的气味变成鲜花。”或许彩墨画的意义就是通过视觉语言引发更多艺术思考，创造更多艺术美学价值的魅力所在。
 

　　工业的印迹与时空对话

　　潘鲁生先生的作品，虽然以写实为主，但他并非简单地照搬现实，而是在尊重客观物象的基础上，融入了画家的观察与思考。他深入大湾区，从繁杂熙攘的老街到宁静的传统村落，从繁忙的渔港码头到充满历史韵味的祠堂庙宇，他感受着这一切，并把这一切用彩墨的艺术手法，把细节描绘到极致。在《港·葵涌码头》里，码头上堆积如山的五颜六色的货箱，其大小、形状、排列方式都被如实刻画。蓝白相间的起重机，或粗犷，或细腻的线条，都清晰可见。巨大的货轮以半隐匿的方式停靠在岸边，船身上的锈迹与标识诉说着远航的故事。画家如同一位忠实的记录者，用画笔捕捉葵涌码头各个角落的真实面貌，让观者仿佛身临其境。

　　英国艺术评论家克莱夫·贝尔在其著作《艺术》中提出“有意味的形式”理论。他认为艺术作品的本质在于其形式所蕴含的意味，这种意味能唤起人们的审美情感，让欣赏者通过对艺术形式的感受，进入到一个超越现实的精神世界，从某种程度上可以理解为从画中看到一个独特的精神世界。《港·葵涌码头》中，可以通过画面去思考那些忙碌的搬运工，手中的每一个货物的隐藏故事。航海船员的梦想以及大海深处不可触及的精神领域。从一幅画的描绘中，不仅看到了现代工业的印迹，更能想到印迹以外的多重艺术领域的超时空对话，以及对未来的美好期许。

　　在《港·大澳渔港》中，棚屋建在竖立于水面的木柱之上，户户相连，鳞次栉比，沿着水道延伸，形成了独特的水上村落景观。从渔民们晾晒的渔网到摆放的渔具，以及停靠的小船，这些元素的组合，不仅展现了大澳渔村独特的风貌，更传递出画家对这种传统渔村文化的热爱与眷恋。

　　黑格尔认为精神的最高定性是自由。他认为艺术应越过各种有限领域，通过人类对自然需求的满足，以至对知识、意志方面的需求的满足，达到高度的自由。从某种意义上来说，潘鲁生的彩墨画，不仅具有独特的艺术风格，更具新时代的精神图谱。如果人生如画，那么潘鲁生先生的作品，一定是以“我”为轴线，去表达艺术人生，进入自由和自然的精神谱系。
 

　　湾区的生态与现实生活

　　罗曼·罗兰说过“世界上只有一种英雄主义，那就是了解生命而且热爱生命的人。”三毛也说过“我热爱生命，栽培生命，并不期望生命只是不食人间烟火的精神组成。”我们如何从平凡的生态环境中去发现美，去解读美，去描绘美。这是一种超乎寻常的能力。而潘鲁生先生的画作不仅把这种美描绘得有声有色，更是添加温情和纯真的情感。

　　在凝望《粤·南社石桥》时，那一块块被岁月打磨的石板紧密相连，石桥上那些看不见的脚印和被风雨梳理过的精美图案，仿佛诉说着过去的故事。这一刻我似乎看到有人站在石桥上，望着桥下潺潺溪水。水中倒映着石桥的身影和夕阳给石桥披上的纱衣。从远处眺望，水塘上的石桥横跨两岸，与周边的古屋、垂柳共同构成了一幅如诗如画的美景。石桥静静地卧在水面上，宛如一位慈祥的老者，默默地守护着古村的岁月变迁。

　　诗人用精妙的语言去描述自然景色，从而去表达对某一个景色的热爱，人们很容易从优美的文字中去感受当时的景色。而画家用无声的语言和线条去记录某一件景色的时候，如果没有超高的艺术造诣和独特的艺术语言，很难让观看者到达人景合一。潘鲁生先生的《澳·大榕树》的作品中，我看到了生命向上生长的动力和向下延伸的能量。整幅画以一棵巨大的榕树为中心主体，绿色占据了画面的大部分空间，给人以强烈的视觉冲击。树干用厚重，粗犷的笔触描绘，繁茂的枝叶向四周延伸，撑起一片生机勃勃的绿色天地。画家通过巧妙的构图，让榕树从内部有一种力量向外延伸。仿佛这棵榕树已经不受画卷的控制，正在不断地延伸和生长。从粗壮的主枝干，和树皮的纹路来看，生命的力量正在悄无声息地牢牢抓住土地，盘踞在地下。画家的笔墨从浅绿到深绿，层次丰富，柔软的枝条和苍劲有力的主干，正是生命蕴含的意义。

　　亚里士多德说：“艺术的目的不是要去表现事物的外貌，而是要去表现事物的内在意义。”潘鲁生先生的“寄情大湾区”系列，本质上是一场跨越时空的文化对话。通过彩墨语言的描绘，他将大湾区的地理景观升华为艺术的精神图谱，在急速变迁的都市进程中，为传统文脉的存续找到艺术表达的出口。